Día mundial de la fotografía: por qué se celebra un 19 de agosto
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Día mundial de la fotografía: por qué se celebra un 19 de agosto


Por Agencias
Publicada:2019-08-20

Hace 180 años nació un invento que revolucionó la manera de capturar la historia y que abriría paso a muchos años de evolución fotográfica.


En 1826, Nicéphore Niepce capturó la fotografía más antigua, conocida como "Vista desde la ventana en Le Gras"
Cada 19 de agosto se celebra el Día Mundial de la Fotografía, una fecha que marca la presentación del primer daguerrotipo en la Francia de 1839. Para recordar este momento te proponemos un repaso por los fotógrafos latinoamericanos que lograron desarrollar este arte y captar imágenes que se convirtieron en símbolos universales.

Esta historia tuvo lugar un 19 de agosto de 1839 cuando la Academia Francesa de Ciencias presentó el daguerrotipo, realizado por Louis-Jacques Daguerre, de ahí el nombre de la técnica. Este proceso de impresión fue posible gracias a la luz y a la sensibilidad de una lámina de haluros de plata en la que tuvo lugar una imagen, la cual fue presentada sobre un cristal.

Sin embargo, el daguerrotipo no fue la primera imagen fotográfica: en 1826, Nicéphore Niepce capturó la fotografía más antigua, conocida como "Vista desde la ventana en Le Gras", para esto utilizó un proceso llamado heliografía.

El daguerrotipo fue inventado por Niepce y Daguerre en 1837. Pero el 19 de agosto de 1839, su patente quedó liberada para que cualquiera pudiera utilizarla, es así como este hecho abre el camino a la universalización de la técnica fotográfica.

Más tarde, la primera fotografía en color fue tomada por Thomas Sutton en 1861. Era un conjunto de tres imágenes en blanco y negro tomadas a través de filtros rojos, verdes y azules. Sin embargo, las emulsiones fotográficas que entonces se usaban eran insensibles al espectro, por lo que el resultado fue muy imperfecto.
eCamara Niepce
Camera of Joseph Nicephore Niepce, c.1816-22

El día mundial de la fotografía es una iniciativa virtual
El proyecto World Photo Day comenzó en 2009, y se celebró por primera vez el 19 de agosto de 2010. Según el sítio web oficial, es "un evento internacional de fotografía, en el que se celebra la pasión por retratar en nuestras comunidades ". El fundador y director del proyecto es Korske Ara, y uno de sus mayores eventos de celebración es la carga de las mejores fotos en el sitio web oficial del Día Mundial de la Fotografía.

El aporte de los fotógrafos latinoamericanos a la iconografía mundial y al arte de la fotografía ha sido reconocido y destacado por los grandes medios del mundo. Muchos conocen las obras pero son pocos los que se han interesado en saber quién estuvo detrás del lente. 

Martín Chambi Jiménez (n. Puno, Perú, 5 de noviembre de 1891- † m. 13 de septiembre de 1973)
Martin_ChambiFue un fotógrafo indígena nacido en Coaza, Provincia de Carabaya, al norte del Lago Titicaca, en el Perú.​ Está considerado como pionero de la fotografía de retrato.​ Reconocido por sus fotos de profundo testimonio biológico y étnico, ha retratado profundamente a la población peruana, tanto a los indígenas como a la población en general.

Biografía
Martín Chambi nace en una familia de campesinos quechuahablantes a finales del siglo XIX. En su condición de indio y desheredado, la pobreza y la muerte del cabeza de familia hace emigrar al joven Martín Chambi, con sólo catorce años, a buscar trabajo en las multinacionales que explotan las minas de oro de Carabaya en la selva a orillas del río Inambari.

La fortuna hace que sea allí donde traba su primer contacto con la fotografía, aprendiendo sus rudimentos de los fotógrafos ingleses que trabajan para la Santo Domingo Mining Co. Ese encuentro fortuito con la nueva técnica prende en él la chispa que le decide a buscarse el sustento como fotógrafo. Para ello emigra en 1908 a la ciudad de Arequipa, donde la fotografía está muy desarrollada y donde descollan figuras de fotógrafos notables que venían tiempo marcando un estilo propio y manejando una técnica impecable.

Su fotografía
Muchos críticos aseguran que dividió su trabajo en dos grupos: el de índole comercial, que incluía los retratos por encargo, en estudio y exteriores así como los grandes retratos grupales y el otro de carácter personal, que incluía su registro antropológico, básicamente retratos de la etnia andina y registro de tradicionales locales, también estarían sus numerosas vistas urbanas del Cuzco y sus vistas de restos arqueológicos. Si bien esta parte de la obra es cuantitativamente menor, se distingue por haber sido realizada con notable persistencia y continuidad.

El investigador peruano Jorge Heredia, radicado en Ámsterdam, Holanda, asevera que la obra del fotógrafo ha sido revalorada desde fines de los años 1970 con resultados muy diversos, quizá tan heterogéneos como la naturaleza del mismo legado, cuya densidad, agrega, permite destacar cualquier punto de apoyo para todo tipo de presentación.

Heredia también afirma que el artista puede ser tomado "como un fotógrafo documental al pie de la letra" y también puede "acercársele a cierto formalismo o ser considerado sin más como un llano producto artístico, así como hizo el pictorialismo en su época". El ha sido fotógrafo de blancos que codiciaban sus imágenes, pero también de indios y mestizos.

Manuel Álvarez Bravo (México)
Martin_ChambiNació en la Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Asistió a escuelas católicas del 1908 al 1914, pero se puso a trabajar en 1915. Empieza a aprender fotografía pidiendo asesoría de proveedores de materiales fotográficos. La llegada de Edward Weston y Tina Modotti en 1923 es crucial para el desarrollo de Álvarez Bravo y compra su primera cámara en 1924. Gana su primer premio en 1931 y decide trabajar de tiempo completo en la fotografía, en parte haciendo foto fija para producciones de cine. Conoce a André Breton en 1938 y su obra es incluida en una exhibición surrealista en París.

México ha sido una cantera inagotable de aportes a la fotografía de Latinoamérica y del mundo en general. Para poder tener una dimensión de la iconografía de los primeros años de la revolución mexicana y de la vida de Diego Rivera, Frida Kahlo, Siqueiras, y muchos otros, "hay que remitirse a la obra de Manuel Álvarez Bravo", dijo Santos Cabrera, fotoperiodista y docente cubano.

Álvarez Bravo supo plasmar los paisajes y la gente de su país, y la vida que se vivía en México en ese momento con un magistralidad y una originalidad como ningún otro lo ha hecho", aseguró Santos.

Este genio mexicano también tuvo la posibilidad de trabajar al lado del cineasta ruso Sergei Eisenstein, de quien tomó mucho de la técnica fotográfica.

Pero a juicio de Santos, no se puede hablar de la fotografía mexicana sin mencionar a Dolores Concepción Álvarez Bravo (Lola), esposa de Álvarez Bravo y autora de las fotos más impactantes de Frida Kahlo.

A principios del siglo XX, Lola destacó por utilizar diferentes técnicas de revelado e impresión que aprendió de su pareja, y por impregnar a sus fotos un estilo único: "cuando todo eran poses y montajes, ella buscaba esa escena espontánea y de ahí que las mejores fotos de la pintora mexicana Frida Kahlo fueron suyas", aseguró el fotoperiodista.

Santos también mencionó al escritor mexicano Juan Rulfo, reconocido por sus novelas El llano en llamas (1950) y Pedro Páramo (1955) en las que también se puede apreciar su ojo fotográfico. 

"Si leemos estas dos obras de la literatura universal, vemos que hay cierta influencia de su apreciación fotográfica. Las descripciones que allí se encuentran parten del hecho de haber sido también una gran fotógrafo", dijo el fotoperiodista cubano.

Cuando empezó a fotografiar en los años veintes y treintas, su capacidad innata fue reconocida por artistas que constituyen un auténtico "quién es quién" de la lente: Edward Weston, Tina Modotti, Paul Strand y Henri Cartier-Bresson. El respeto que engendró fue encapsulado en la respuesta de Cartier - Bresson cuando alguien notó semejanzas entre la imaginería de Álvarez Bravo y la de Weston: "No los compares, Manuel es el verdadero ". El ojo único de Álvarez Bravo era tal que el fundador del surrealismo, André Breton, lo buscó en 1938 para encargarle una imagen para la portada del catálogo de una exposición surrealista en París (el fotógrafo cumplió con su conocida imagen, La buena fama durmiendo). A pesar del reconocimiento de tales luminarias, Álvarez Bravo tenía muy poca visibilidad en los Estados Unidos antes de una modesta exhibición de 1971 en el Pasadena Art Museum (California), que luego pasó sin pena ni gloria por el Museum of Modern Art de Nueva York. Exposiciones subsecuentes en la Corcoran Gallery of Art en Washington D.C. (1978) y el Museum of Photographic Arts (San Diego, 1990) hizo a Álvarez Bravo aún más conocido, pero su consagración fue asegurada con su regreso al MOMA de Nueva York en 1997 para su exhibición definitiva de 175 fotos.

Cuando Álvarez Bravo empezó a fotografiar, la efervescencia cultural de la pos-Revolución había desencadenado una búsqueda de identidad nacional y la ardiente cuestión para los fotógrafos fue qué hacer con el exotismo intrínsico del país. Influido quizá por su relación con Weston y Modotti, Álvarez Bravo fue el primer fotógrafo mexicano en adoptar una postura militante de anti-pintoresquismo. Recibió reconocimiento internacional por su obra que llegó a la cumbre de su creatividad entre los años veinte y cincuenta, periodo en el cual desarrolló una compleja manera de representar a su país. Consciente tanto de la extraordinaria variedad de culturas en México como de la forma en que la otredad se convertió casi de manera natural en un fotografo de imágenes anti estereotipadas, Álvarez Bravo siempre ha nadado a contracorriente de los clichés establecidos, utilizando la ironía visual para contradecir lo que aparentemente decía al principio, para invitar así a quien le mira con la tarea de interpretarle.


Alberto Korda (Cuba)
Con el triunfo de la Revolución cubana en 1959, llegaron a Cuba una gran cantidad de fotógrafos estadounidenses para fotografiar lo que estaba sucediendo en la isla. Pero nunca estos primeros años fueron mejores captados que por los propios autores cubanos. 

Este momento de la historia se conoce en la iconografía cubana como "la época épica de la fotografía", y sus representantes más reconocidos fueron Raúl Corral, Ernesto Fernández, Liborio Noval y Alberto Díaz Gutiérrez, más conocido como Alberto Korda y autor de la icónica foto del Che Guevara, entre otros.

Alberto Korda es quizás el fotógrafo más conocido y desconocido de la fotografía cubana. Es el más universal de los fotógrafos cubanos por la foto del Che, una imagen que lo atrapó y que sin embargo no es su mejor foto", aseguró Santos.

Alberto Korda fue pionero en la fotografía de moda de los años 40 y 50. Al triunfo de la Revolución se dedicó al fotoperiodismo y más adelante a la fotografía submarina. "Fue un revolucionario", así lo definió Santos.

Grete Stern (Argentina)
Stern fue una diseñadora y fotógrafa alemana nacionalizada argentina. Lo revolucionario de esta autora fue su trabajo de fotomontaje, una técnica que a mediados del siglo XX era muy poco conocida en Latinoamérica. 

La obra de Stern se publicó en Argentina en una columna de la revista Idilio nombrada "Sueños", donde la autora hacía una interpretación de los sueños utilizando estos fotomontajes. 

Stern fue compañera de vida de Horacio Coppola, uno de los grandes fotógrafos argentinos famoso por sus imágenes sobre la vida en Buenos Aires.

También más cercano en el tiempo, está Marcos López, un fotógrafo y artista plástico contemporáneo argentino que estudió cine en Cuba, y en cuyas fotografías "se puede apreciar una puesta en escena que hace referencia a la cotidianidad argentina", comentó Santos.

Sergio Larrain (Chile)
Martin_ChambiEste chileno tuvo una exitosa carrera como fotoperiodista entre 1958 y 1968 con la mítica agencia de fotografía Magnus. 

Larraín viajó por casi todo el mundo, fotografió como nadie París.
Fue un maestro de la composición de la imagen y se hizo célebre también por su definición de la fotografía, una visión que dejó plasmada en una carta a un sobrino en 1982.

En Las babas del diablo, el escritor Julio Cortázar decía que "el fotógrafo opera siempre como una permutación de su manera personal de ver el mundo por otra que la cámara le impone insidiosa". Aquel cuento publicado en 1959, cobró forma luego de una anécdota protagonizada por el escritor argentino junto al chileno Sergio Larrain (1931-2012), una de las grandes figuras de la fotografía latinoamericana. Larrain, tomó un retrato de Cortázar en París, en las afueras de la Catedral de Notre Dame y luego, cuando la reveló, descubrió en un segundo plano, detrás del escritor, a una pareja haciendo el amor, lo que que da génesis al famoso cuento incluido en Las armas secretas.(Mercedes Ezquiaga)

A los pocos años, sin embargo, y a pesar del éxito, se desencantó de la vida que llevaba. “Me encanta la fotografía como arte visual, así como un pintor ama la pintura. Ésa es la fotografía que me gusta. Pero el trabajo que se vende, me obliga a adaptarme”, le escribió en 1962 a su amigo y también fotógrafo Henri Cartier-Bresson, el mismo que tres años antes lo había convertido en el primer y único chileno en ingresar a la prestigiosa agencia Magnum.

"Es mucho vagabundeo, estar sentado debajo de un árbol en cualquier parte. Es un andar solo por el universo. Uno nuevamente empieza a mirar, el mundo convencional te pone un biombo, hay que salir de él durante el período de fotografía", definió Larrain.

Este autor un día optó por cambiar su mirada y se aisló en la precordillera chilena para vivir y meditar.





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